La serie fotografica “Rivisitazione Futurista” di Bernardo Cecchetti è il risultato di un’elaborazione squisitamente analogica, tra rivisitazione teorica e gestualità. Nel suo progetto la ricerca non si arresta all’atto dello scatto o nell’eccellente equilibrio compositivo del lavoro. Bensì, è il gesto artistico a completare e donare un’innovativa ed insigne visione alle immagini in mostra.
Bernardo Cecchetti giunge alla storia dell’arte e della fotografia attraverso una piena consapevolezza. Come un esploratore del tempo, trattiene nelle sue pupille e nell’esperienza una pluralità d’immagini e di sperimentazioni che furono capaci di imprimere un sostanziale sviluppo alla storia dell’arte visiva occidentale. Una varietà di elementi che egli presenta con rigore strutturale e giocosità consapevole, attraverso la mediazione del linguaggio contemporaneo. Una rilettura che accompagna lo sguardo dell’osservatore tra immagini conosciute, per una mappatura emozionale delle arti figurative.
Composizione e colore si fanno lo strumento di questa narrazione che apre a inedite prospettive alcuni degli scatti maggiormente interessanti della storia della fotografia. Gli illuminanti studi di Eadweard Muybridge sul moto del corpo umano ed animale. L’intenso lavoro sulla fisiologia del movimento svolto dal francese Étienne-Jules Marey (†1904) e dall’americano Thomas Eakins (†1916), attraverso l’utilizzo del cronofotografo. La riflessione sulla danza come forma e gesto, istituita presso la Bauhaus dal direttore Oskar Schlemmer, ma soprattutto gli studi sul movimento di derivazione futurista, come l’opera “Dinamismo del cane al guinzaglio”(1912) di Giacomo Balla.
In alcuni dei lavori della serie “Rivisitazione Futurista” si osservano anche fotografie delle “nuove” macchine, i primi scatti dei pionieri del cinema e dell’immagine; uomini che hanno ridisegnato il confine di un’innovazione tecnica che pareva rendere tutto attuabile, persino il volo umano attraverso la meccanica. Non è la prima volta che l’uomo sfida la sua natura terrena e le leggi della fisica per perseguire il suo anelito d’infinito, ma a cavallo dei secoli XIX e XX la scoperta di materiali e tecnologie innovative diede ai sognatori e agli sperimentatori di tutto l’occidente, l’opportunità – mai come prima e forse come mai in seguito – di attuare le idee, cercando di rendere realtà i loro sogni.
L’impegno di ricerca dell’artista e fotografo marchigiano è anche estetico: lontane dai manierismi artefatti ed inespressivi le sue immagini si animano, acquisiscono attraverso la sovrapposizione degli scatti e l’uso del colore una nuova forza, uno sguardo capace di generare stupore, attenzione e gusto. Nei suoi collage, nelle sovraimpressioni fotografiche, si avverte una gestione dell’immagine lontana dalla concezione classica ma altrettanto esperta di camera oscura e capace nella stampa in analogico di equilibrare lo spazio dell’impressione fotografica. Un gioco intellettuale che genera immagini dall’effetto di “movimento cinematografico” o le congela nell’attimo sospeso del tempo; un gioco visivo in cui la stessa cromo-grafìa asseconda la composizione attraverso il colore, creando effetti di scia o di alone che corroborano le linee di forza preponderanti nell’opera.
Come per i primi sperimentatori, nel lavoro di Bernardo Cecchetti la fotografia diviene strumento esplorativo di nuove prospettive espressive, del movimento e del confine tra onirico e reale.
Alessia Locatelli

Movimenti di luce
Per una rivisitazione futurista

L’interesse che gli artisti odierni continuano a provare per le tematiche dell’arte futurista dimostra l’inesauribile capacità di seduzione che, al di là delle celebrazioni storiche, la prima avanguardia artistica italiana sollecita con la sua innovativa e complessa visione dinamica e immaginativa.
Nel caso di Bernardo Cecchetti, la sperimentazione dell’immagine fotografica è rivolta alle compenetrazioni dinamiche delle forme che le tecniche analogiche fotografiche consentono di sintetizzare attraverso un procedimento di elaborazione e di sovrapposizione di fonti desunte dall’iconografia futurista.
Si tratta di una “rivisitazione” intesa come viaggio polimorfico tra fotodinamismi e montaggi cronofotografici, con citazioni di sensazioni energiche, figure in sequenza, ripetizione di linee, slanci curvilinei, sfocature e tagli decentrati.
Il tema del movimento si pone come fulcro persistente di ogni genesi grafica e cromatica, lasciando che il libero corso della fantasia mostri l’immediata capacità espressiva di trasfigurare differenti soglie percettive.
Il dialogo con gli alfabeti sperimentali dell’avanguardia futurista spinge lo sguardo di Cecchetti a muoversi all’interno di molteplici codici strutturali, privilegiando sovrimpressioni di immagini che si intersecano, masse colorate che affiorano sospese sulla superficie e suggestioni cosmiche.
L’artista-fotografo non si ferma alle applicazioni meccaniche dell’immagine analogica, allude volta per volta ai valori pittorici delle compenetrazioni futuriste, si affida alle sottili ambiguità cui le forme sono soggette attraverso molteplici andamenti e punti di vista divergenti, ricreando un’atmosfera vibrante in cui ogni dettaglio si fonde in una totalità avvolgente.
I ritmi del movimento coinvolgono corpi e oggetti in una sorta di danza psico-fisica che trasforma la struttura delle forme nell’equilibrio instabile di una rappresentazione frantumata in infiniti istanti percettivi. Ogni elemento figurale fluisce, scorre, si spezza, si sovrappone e si disperde, gioca tra sospensione e sprofondamento, sottraendosi alla dimensione statica del visibile per privilegiare slittamenti e dilatazioni che sfuggono al controllo dello sguardo.
In tal senso, la rivisitazione futurista di Cecchetti si addentra nelle scie imprevedibili del movimento con espansioni e aloni di luce rivolti alla dimensione emotiva dello spazio, alla ricerca di quelle risonanze interiori suggerite dalla tensione mentale che s’insinua e prende forma nello spazio.
Claudio Cerritelli

Come guardare la Rivisitazione futurista di Bernardo Cecchetti

Il collage in tutte le sue forme, varianti ed evoluzioni, è senza dubbio una delle “figure chiave” delle pratiche artistiche contemporanee, laddove per contemporaneo si intende non solo un determinato periodo storico ma anche e soprattutto di questo la postura di fondo che causa e configura l’ insieme di caratteristiche del tempo presente. Il momento risente ancora talmente dell’ influenza dell’era moderna al punto da essere spesso definito con termini quali post-modernitá o alter-modernitá.
La tecnica con cui è stata realizzata la serie di opere di Bernardo Cecchetti intitolata Rivisitazione futurista, si basa essenzialmente su un’accezione personale del collage, declinata attraverso l’applicazione e l’utilizzo di una grande varietà di procedimenti di propria invenzione, alcuni anche alquanto complessi, in cui la parte principale viene svolta dalle sovrimpressioni fotografiche, che ne costituiscono uno degli elementi più continuativi e salienti. Nel modo di trattare la fotografia l’autore dimostra una attitudine spiccatamente sperimentale, anche se va sottolineato che si rifuta sistematicamente di ricorrere al digitale.
A un primo sguardo sembra di vedere “campi di forze” grandemente affini ai fotogrammi di Histoire(s) du cinéma di Godard: immagini che si presentano come testi complessi basati sull’appropriazione di “ombre” rapite alla storia dell’occhio occidentale che vengono sottoposte a un processo di crescita e sviluppo per concrezione e contaminazione. Il procedimento sembra rifarsi parzialmente al funzionamento della memoria, dove regna la stratificazione che agglomera, contamina, quasi cancella e infine dissolve. Le immagini mantengono un andamento e un corpo simili al ricordo nella consistenza densa e insieme fantasmatica e nello spiccato senso residuale, partecipe di un ciclo perenne di costruzioni e distruzioni.
Si può dire che le immagini della serie dedicata al Futurismo e che ne costituisce appunto una rivisitazione, si presentano come una sorta di radiografia del tempo.
Esse nascono dalla stampa di diapositive su plexiglas concepite per essere proiettate in diaporama, ovvero per dare luogo a un’opera complessa e diffusa, che si avvale della proiezione in dissolvenza incrociata di immagini accompagnate da suoni sincronizzati.
Chi leggesse il presente testo fermandosi a questo punto sarebbe anche autorizzato a pensare che questo lavoro di Cecchetti possa essere principalmente un tributo all’inconsistenza e al diafano, invece è importante sottolinearne anche il ruolo non secondario e concreto del colore. Le immagini in bianco e nero subiscono da parte del colore un’azione dal doppio movimento e dalla doppia valenza: sono animate e/o congelate, bloccate e/o potenziate da tacche di giallo, di rosso e di blu.
L’ effetto causato è davvero singolare: fa specie vedere i colori primari cari a Mondrian applicati in un contesto così spurio, che invece di rifarsi alle leggi dell’armonia universale ha piuttosto a che fare con la continua trasformazione del reale sotto i nostri occhi, in poche parole con “la morte al lavoro”.
Rivisitazione Futurista è un titolo che costituisce apertamente anche un omaggio a Mario Schifano, addicted nei confronti delle immagini mediatiche come nessun altro artista italiano prima di lui, e forse questo omaggio è da leggere proprio nel senso del riconoscimento di tale primato.
Una delle “basi” che, lavorate in diversi modi, affiorano con maggiore insistenza in questa serie sono le cronofotografie di Marey, Muybridge ed Eakins e le prove di Anton Giulio Bragaglia, ma stranamente nelle immagini finite non v’è traccia del baldanzoso ottimismo che innerva le figurazioni di inizio secolo, mentre a dominare sembra essere lo spirito di Francis Bacon che si esprime in una irresistibile attrazione verso l’ambiguità delle immagini, sottoposte appunto a trattamenti che le sfigurano riconfigurandole.
<>. Queste parole, con cui l’autore presenta sul proprio sito web la serie oggetto della nostra attenzione, forzano a mio avviso la lettura delle immagini orientandola soprattutto nella direzione della leggerezza, peraltro evidente anche considerando il loro corpo diafano. Sebbene il dato cromatico, volutamente non amalgamato ai contorni, possa essere interpretato come elemento chiassoso e pop, le immagini peraltro contengono una componente decisamente drammatica legata, come si è detto, alla deformazione, all’impossibilità delle forme ad assumere e mantenere fisionomie chiare.
Cecchetti interrogato sui suoi “antichi maestri” ha fornito una lunga lista da cui si estrapolano liberamente quei nomi che sembrano più pertinenti e utili per capire le fonti dell’operazione che dà luogo a questa serie di opere: << [...] Medardo Rosso per il modellato indefinito e impressionista; [...]; Man Ray per i suoi Oggetti d'affezione, i paradossi visivi, la sperimentazione in ambito fotografico, le Rayografie, le fotografie intese come produzioni autonome e non più come “riproduzioni”; [...] Boccioni per [...] la compenetrazione tra figura e sfondo, la frammentazione delle forme e il mutamento continuo dei punti di vista, la ricerca delle linee di forza e l'uso di linee sinuose che descrivono il movimento; Balla per la rappresentazione del movimento grazie a immagini sovrapposte e le Compenetrazioni iridescenti [...]>> . Chiude l’elenco Paolo Gioli, altra figura rilevante nel panorama dello sperimentalismo dei linguaggi in Italia.
Cecchetti dunque si riallaccia a una genealogia precisa, fatta di artisti che hanno mostrato il non visto anche di ciò che sta sempre sotto gli occhi di tutti, perché l’importante non è tanto nel soggetto quanto nello sguardo, non nel che cosa ma nel come, secondo la più significativa lezione dell’arte occidentale del secolo scorso.
Elisabetta Longari

La “Rivisitazione Futurista” di Bernardo Cecchetti

Una personale cifra stilistica connota l’opera più cospicua di Bernardo Cecchetti caratterizzata da una serie di interessanti evidenze estetiche e di contenuto.
Innanzitutto, rammentando la celebre locuzione del sociologo Marshall McLuhan “il medium è il messaggio”, si osserva come la fotografia analogica (diapositiva), a cui l’artista giunge attraverso un complesso di elaborazioni manuali e con strumenti tecnologici (dal collage alle sovraimpressioni) e il ricorso a supporti non tradizionali come il plexiglas, portino a esiti luminosi e di trasparenza peculiari dei mezzi impiegati. Ciò consente all’autore di abbordare nell’opera valenze quali la leggerezza, il movimento, l’afflato poetico. Valenze e contenuti che vanno oltre le tematiche evocate nei titoli dei vari cicli – “Fiori maledetti”, “Mare”, “Rivisitazione Futurista”, “Vegetazione”, “Sperimentazione” – comunque non vincolati a una passività mimetica.
In particolare si fa avanti l’idea di “leggerezza” come fu concepita da Italo Calvino in “Lezioni americane” nella prima delle sue sei proposte per il nuovo millennio quali valori da acquisire sia dall’uomo moderno che dallo scrittore, quindi dall’artista. Punto di partenza per Calvino i riferimenti letterari, tra cui il “De rerum natura” di Lucrezio “la prima grande opera di poesia in cui la conoscenza del mondo diventa dissoluzione della compattezza del mondo, percezione di ciò che è infinitamente minuto e mobile e leggero”.

Il movimento diviene consentaneo alla leggerezza nei vari cicli creativi dell’artista. Assume tuttavia una rilevanza determinante nella serie “Rivisitazione Futurista”, tema della presente mostra, in cui fa l’apparizione il corpo umano e animale, assente nelle altre proposte creative. Bernardo Cecchetti, docente di materie artistiche, ben conosce l’opera dei maestri italiani della prima avanguardia nostrana del ’900 e del loro mentore, Filippo Tommaso Marinetti, autore del celebre Manifesto Futurista del 1909. Così come ha ben presente le sperimentazioni di scienziati e pittori che in decenni precedenti condussero ricerche sul movimento dei corpi mediante la cronofotografia, ovvero la registrazione, in un’unica HYPERLINK “http://it.wikipedia.org/wiki/Immagine”immagine ed in un’unica HYPERLINK “http://it.wikipedia.org/wiki/Lastra_fotografica”lastra fotografica, delle molteplici posizioni di un soggetto in movimento in corrispondenza di altrettanti momenti temporali.
Il nostro artista-fotografo sembra proprio partire da queste sperimentazioni per giungere a immagini che vanno oltre il loro contenuto scientifico, meccanico, tenendo conto anche dei successivi apporti della fotodinamica e della pittura futurista.

L’inglese Eadweard Muybridge fotografò uomini e animali in movimento riprendendoli da vari punti di osservazione con apparecchi sincronizzati tra di loro, esperienze che proseguirono mediante altri mezzi con il pittore americano Thomas Eakins (sua la registrazione di un doppio salto in lungo) e con il fisiologo francese Etienne J. Marey. Quest’ultimo fu l’inventore del fucile cronofotografico che gli consentì di rilevare i movimenti degli uccelli in volo, dei cavalli al galoppo e finanche di una figura con tuta nera su cui furono applicate, lungo gli arti, delle bande bianche che, in movimento veloce contro un fondo scuro, definirono un’immagine virtuale astratta e dinamica formata da linee spezzate che si susseguono e si intersecano.

“Bambina che corre sul balcone”, “Volo di rondini” ed altri dipinti di Giacomo Balla o di altri protagonisti del futurismo sono debitori di tali sperimentazioni, che considerano lo spostamento spaziale dell’oggetto in rapporto al tempo. Ma i futuristi perseguirono anche altri fini: con la fotodinamica, ad esempio, Anton Giulio Bragaglia volle cogliere la sensazione del movimento in un’unica immagine con sovrimpressioni di figure in movimento, mostrando i primi esempi di dissolvenze e sovrapposizioni (v. “Uomo che suona il contrabbasso”). E, soprattutto, Umberto Boccioni attraverso gli elementi formali dell’opera intese esaltare la tensione dinamica del soggetto in rapporto all’ambiente circostante come nelle serie “Stati d’animo”. Scrive Boccioni: “Il dinamismo è l’azione simultanea del moto caratteristico particolare dell’oggetto (moto assoluto), con le trasformazioni che l’oggetto subisce nei suoi spostamenti in relazione all’ambiente mobile o immobile (moto relativo).” Dinamismo e simultaneità sono i concetti elaborati dal grande maestro futurista affascinato dalla teoria del filosofo francese Henri Bergson sulla “durata”, secondo il quale lo scorrere del tempo non è la sommatoria di stati o istanti diversi e separati, ma un fluire continuo, ovvero “l’incessante progredire del passato che intacca l’avvenire e che, progredendo, si accresce. E poiché si accresce continuamente, il passato si conserva indefinitamente”. Quindi, durata che si realizza nella dimensione della memoria e della coscienza e che è “slancio vitale”, cioè creazione in atto e divenire. In sintesi, la poetica boccioniana approda a un dinamismo di valenza emozionale a cui partecipano elementi formali ed esaltazioni cromatico-luminose.
Ci siamo intrattenuti piuttosto a lungo, non a caso, sull’idea di movimento così come indagato tra fine ’800 e inizi ’900 da scienziati e artisti, poiché è proprio su queste basi che Bernardo Cecchetti elabora la sua proposta. Innanzitutto si osserva come queste “rivisitazioni” abbiano come punti di partenza gli esiti delle cronofotografie e della fotodinamica, cioè registrazioni in bianco e nero dall’artista accese da cromie luminose ed espanse dinamicamente nello spazio bidimensionale attraverso l’iterazione (con accostamenti e sovrapposizioni) delle immagini stesse. Immagini che incrementano l’idea di movimento che già racchiudono in sé grazie allo spostamento spazio-temporale del corpo ripreso. In altri casi o in aggiunta, come osserva Cecchetti, “il moto è suggerito dall’uso di linee curve e diagonali, dal loro scarto rispetto alle linee rette e alla statica percezione della griglia ortogonale, dallo spezzarsi dell’equilibrio della simmetria bilaterale, dagli effetti scia e alone”.
Infine, l’articolata sintassi compositiva delle opere ci porta, per altro verso, a intravedere in controluce la volontà dell’artista-fotografo di parafrasare giocosamente quella complessa dimensione del tempo-memoria che fu tanto cara a Boccioni.
Fabrizio Rovesti

Presentazione Fiori maledetti
Prefigurazioni cromatiche verso l’immateriale

Non c’è più posto per figurativismi fotodinamici nelle ultime immagini di Bernardo Cecchetti, in questa serie si visualizzano deflagrazioni cromatiche animate da una ventata di leggerezza, naufragate in una dimensione dilatata nello spazio e nel tempo tradotta in attese di ipotesi cromatiche più astratte, più kandiskijane che futuriste.
L’autore con queste opere si emancipa da elaborazioni accademiche di passatismi di eco fotodinamico, per lasciarsi andare a una progettazione più lirica, vitalistica, all’insegna del mutevole, fluttuante, incontrollabile, onde senza rete, alla ricerca di una poetica emozionale.
Così, l’autore prendendo le distanze dal fotodinamismo che l’ha galvanizzato per anni, rappresenta una trama colta nel suo farsi e disfarsi di impressioni cromatiche, la vertigine dell’incontro tra sensazione e colore. In una serie di dinamismi centripeti, vie lattiginose, non vi è ripetizione, ogni traccia di colore racchiude in sé qualcosa di originale e ancestrale, imprevedibile, contro ogni staticità stilistica, con il fine di moltiplicare i punti di vista. Cecchetti ha investigato le possibilità di riproduzioni schematico-successive del movimento, un’indagine di geometrie curve e cromie pure ereditata da Balla, qui superata da configurazioni più liriche di accadimenti simultanei, risolte in una visione plurima, sfaccettata che comprende molteplicità e unità compositive al tempo stesso. Il fil rouge della sua ricerca dagli esordi è il dinamismo, il movimento: una velocità che però in queste immagini configura una dimensione dilatata, come trama di un magma indefinibile, alludendo a un momento in cui ciò che abbiamo sentito, pensato, voluto riemerge in superficie e confonde la realtà con il sogno: è visione dello “spirito”, direbbe Kandinskij, in cui dentro al processo vitale, libero dell’esistenza, si dissolvono gli impulsi, le improvvisazioni che tradiscono la ragione. Tonalità leggere, trasparenti, diafane, declinazioni ectoplasmatiche intorno alle sfumature di azzurri , potenziale espressivo di bianco–fumo, virate in rosso-arancione dall’effetto quasi acquerellato, proiettate oltre se stesse, configurano una perenne ricerca della oggettivazione di sensazioni: “materia” altrimenti invisibile. Osservando in rapida sequenza le sue immagini si entra in un non spazio, o piuttosto in uno stato d’animo, da interpretare come una espressione di campi di forze, appassionante dall’evidente vitalismo. Cecchetti si spinge dentro il Caos primigenio, si inebria smarrendosi in giochi cromatici, composizioni che in alcuni casi riecheggiano bouquet floreali iridescenti, che sembrano dipinti su vetro, quasi ologrammi, paradossalmente compatte. Per Cecchetti, foto-pittore, esiste un moto interiore in cui memoria e intuizione di chissà quale sensazione diventano immagine, sembrano una trascrizione formale di un’irrisolta tensione tra impulsi interni e dati oggettivi esterni: un conflitto dialettico tra profondità e superficie. Non cadiamo nel tranello di un approccio al colore contemplativo, affidiamoci invece, guardando le sue fotografie, all‘elan vital , immedesimiamoci con l’espressività dei colori che tendono in molteplici direzioni e ognuno ha il suo viaggio. L’autore confonde i contorni con prefigurazioni di un ritmo ovattato inespresso, del Cosmo, visualizzato in danze di linee di forza, deflagrazioni, spirali dinamiche, flussi incontenibili che si espandono sulla superficie come macchie d’inchiostro nell’acqua e si fanno materia dell’invisibile. Il suo cromatismo avvolgente si fa racconto visivo, narrazione del naufragio della ragione? Qui trionfa la “gassosità ”, di una tensione cosmica che trasuda di assoluto e ipnotizza l’osservatore, imbrigliato com’è nella sua ondeggiante prefigurazione del divenire che emoziona e irradia.
Queste corrispondenze simultanee si disintegrano in astrazioni liriche, fotografie sin estetiche vibranti,dissolve naturalismi fino a renderli diafani, bagliori di luce senza consistenza, energie misteriose del Cosmo attraverso immagini che sbriciolano il visibile e assurgono a forme-oggetto in movimento e simultanee. Perdiamoci nelle sue rotture brusche o inversioni di prospettive dissolte dentro a irradiazioni cromatiche che rielaborano il pensiero di Bergson e tracciano un perenne divenire, un ricercarsi di forme dinamiche capaci di incorporare sensazioni e avvenimenti, governate non dal tempo “meccanico”, prestabilito, bensì da un tempo “interiore” in cui si percepisce l’unicità di ogni attimo. Cecchetti attinge dall’idea bergsoniana di durata, ereditata dai futuristi, in cui ciò che accade “qui e ora” comprende ciò che è accaduto o accadrà. I suoi fotogrammi formalizzano un‘estensione di ciò che è già stato, in cui l’istante si manifesta come flusso magmatico che sfugge a qualsiasi definizione. Tutto converge su ciò che è al di là delle apparenze, sfioriamo l’indicibile in un paesaggio lirico dove spirito e materia danzano al ritmo della vita.
Jacqueline Ceresoli

Bernardo Cecchetti o la Nostalgia del Simbolo

Riflettere attraverso una personale Rivisitazione Futurista su quello snodo cruciale dell’arte occidentale compreso tra l’avvento della fotografia, nella seconda metà dell’Ottocento, e l’affermazione delle avanguardie storiche europee, e segnatamente italiane, agli inizi del XX secolo. E farlo non tanto e non solo con l’approccio concettuale e storico-artistico del docente impegnato quotidianamente sul fronte di una didattica al passo con i tempi, ma anche e soprattutto con lo sguardo, l’attitudine e l’approccio fulmineo e intuitivo dell’artista, capace di cogliere al volo nessi, rapporti e associazioni mentali, prima ancora che visive, in grado di innescare sulla riflessione critica effetti sinestesici forieri di inedite reazioni percettive ed emotive da parte dell’osservatore. Aldilà di ogni citazionismo di maniera, mi sembra sia stato questo, in estrema sintesi, il senso del nucleo di opere da cui ha preso le mosse il lavoro di Bernardo Cecchetti, artista marchigiano che della fotografia ha fatto in seguito il suo medium per eccellenza, incardinandolo su una personale rivisitazione di figure e movimenti, come il Futurismo, affacciati sulla modernità con tutta la nascente, drammatica consapevolezza dell’insorgere di una nuova era contrassegnata dal dominio incontrastato della tecnica. Dominio che proprio nella fotografia, utilizzata da scienziati come Marey e Muybridge in funzione di un approfondimento delle problematiche relative al movimento dei corpi nello spazio, trova un ulteriore momento di cesura con quel primato della rappresentazione faticosamente riconquistato dalle arti figurative – con il Postimpressionismo e il Simbolismo, il Cubismo e l’Espressionismo – dopo la mise en abyme della referenzialità prodotta tra il 1840 e il 1870 nel campo della pittura dall’invenzione di Niépce e Daguerre e la susseguente, vigorosa controffensiva condotta dalla prima generazione degli impressionisti, giunta peraltro sul finire del secolo a un lento, inarrestabile declino del suo propellente innovativo. Fotografia ma anche cinema, in questa riflessione, visto che quei primi esperimenti di cronofotografia, condotti con mezzi di fortuna, avrebbero portato nel giro di pochi anni ai Fratelli Lumière, e quindi alla possibilità di esplorare e registrare diacronicamente le molteplici valenze cinetiche del corpo umano, mentalizzandone una volta per tutte le infinite potenzialità espressive ben oltre la sintesi spaziale e sincronica attuata da artisti come Boccioni, Balla o Severini e dai loro numerosi epigoni francesi, inglesi, russi e via dicendo.
Del resto, al pari di analoghe operazioni condotte in seguito con gli stessi mezzi sulle creature degli abissi marini, il tema del movimento è sempre stato al centro della riflessione di Bernardo Cecchetti, ma con una serie di interventi, biffures e manipolazioni che a mio avviso, lungi dal prefigurare quel côté ironico di cui pure si è parlato a proposito della sua Rivisitazione Futurista, denotano un atteggiamento di portata concettuale ben più articolata e sottile, seppure forse in parte inconsapevole. Agendo infatti sul documento fotografico con elementi lineari, effetti cromatici o assemblaggi eterogenei che ne alterano in chiave onirica o astratta l’univocità del messaggio visivo, Cecchetti rinvia l’osservatore a un processo di “congelamento” del dinamismo non dissimile da quello di fine Ottocento, ma nel suo caso del tutto mentale, nonché inscritto – a mio parere – dentro l’odierno dibattito sull’egemonia dell’apparato mediatico e la conseguente colonizzazione dell’immaginario visivo da parte della pervasiva onnipotenza dei media. Qualcosa, insomma, di ben diverso dall’ingenuo scientismo positivista con cui i due cronofotografi sopra citati, animati da un sano entusiasmo verso le “magnifiche sorti” del progresso, erano ancora portati a indagare i corpi dei loro soggetti in movimento, trattandoli con una curiosità empatica nutrita di fiducia nel futuro e nella capacità dell’uomo di dare un senso al proprio destino. Solo pochi anni dopo, all’esordio del “secolo breve”, il macello della Grande Guerra avrebbe fatto rapidamente piazza pulita di quelle illusioni, consegnando quei corpi anonimi alla mercé di forze ormai incontrollabili, governate dalla sovranità di una tecnica sempre più asettica e disumanizzante.
Ecco allora che in modo imprevedibile, grazie agli effetti di sfrangiamento, solarizzazione e collage messi in opera per via analogica da Bernardo Cecchetti nelle sue varie serie fotografiche, emergono via via dalle immagini dell’artista marchigiano consonanze di fondo non più con l’enfasi bellicista di Marinetti o l’impianto speculativo dei primi futuristi, quanto piuttosto con quella vasta temperie artistica e letteraria di fine Ottocento che va sotto il nome di Simbolismo. Una Nostalgia del Simbolo, insomma, che estrae dagli abissi marini come dalle icone dell’arte moderna (nonché dai “fiori maledetti”, come dire Baudelaire), frammenti oscuri e indecifrabili di un senso più ampio, tutto da investigare con gli strumenti di un nuovo umanesimo coltivato e difeso, in nome dell’arte, in serrata dialettica con gli archetipi della comunicazione contemporanea. Poca ironia, dunque, e molto impegno, nelle prime prove “neofuturiste” di Bernardo Cecchetti come pure nella sua produzione successiva, anche se i tempi non sono più quelli di Puvis e Khnopff, di Moreau e Delville, di Redon e Rops, ma soggiacciono inermi all’algida omologazione del web e dei digital devices.
Gianfranco Malafarina
Milano, 10 settembre 2014

Rivisitazione futurista.
Fotodinamismo, memoria, continuità e nuovo

Fotodinamismo, simultaneità, movimento e ritmo: sono l’essenza della ricerca futurista nel campo della fotografia, condotta dal 1910 dai fratelli Anton Giulio e Arturo Bragaglia, seppure osteggiata da Umberto Boccioni e altri firmatari del Manifesto della pittura futurista. Il Fotodinamismo libera la fotografia dai limiti della staticità, cogliendo il divenire delle forme con linee in costante evoluzione nel tempo e nello spazio. Questo nuovo linguaggio non realista, innovativo contiene in una sola immagine molteplici ritratti e figure in movimento, anche sovrapposte, valorizza un dinamismo plastico ispirato al concetto di “Panta Rei” di Eraclito di Efeso e apre la strada agli esperimenti di cronofotografia: una ricerca rivoluzionaria che va di pari passo con quella pittorica condotta da Boccioni e Balla.
Nella nostra epoca della riproduzione web, la fotografia digitale è un linguaggio artistico autoreferenziale, in quanto medium aperto alla continua sperimentazione di percezione dinamica–sinestetica della realtà. Bernardo Cecchetti è fuori dal coro, non utilizza il computer e recupera manualità, gestualità e pratica complesse elaborazioni di stampa, attraverso sovrimpressioni fotografiche ottenute proiettando immagini e rifotografando il tutto. Scrive l’autore “Le immagini sono stampe dirette dietro vetro acrilico (plexiglas) da diapositive, non sono cioè fotografie digitali né immagini elaborate in alcun modo al computer. Sono state realizzate a partire da fotocopie in bianco e nero del ritratto di Boccioni (di Anton Giulio Bragaglia), di cronofotografie di Marey, Muybridge ed Eakins e della danza e del teatro del Bauhaus fatte su carta e su acetato trasparente, a cui ho aggiunto il colore con tecniche miste (pittoriche, ecoline, inchiostri colorati, pastelli a cera , decalcomanie, ecc) e del collage.”
Cecchetti, nella vibrante rivisitazione del foto dinamismo, non crea una frattura con il passato ma una continuità attraverso per lo più sovrimpressioni fotografiche, con l’obiettivo di indagare le potenzialità espressive della molteplicità delle immagini in cui il gesto diventa materia viva, soggetto principale di superamento della staticità, puntando sull’elemento cinetico e sull’energia proteiforme come oggetto di studio ispirato al cinema più che alla pittura futurista.
Basta uno sguardo, possibilmente in sequenza veloce, alle fotografie dell’autore per cogliere una immateriale scia luminosa che resta impressa nella memoria dell’osservatore, come il fulmine a ciel sereno: un effetto “ectoplasmatico” è il suo codice, oltre l’imitazione del reale.
I corpi trascendono se stessi, tracciano ciò che superficialmente non compare, cortocircuiti immaginari, sensazioni in bilico tra coscienza e ricordo, realtà e simulazione. Linee in divenire, filiformi, dal vitalismo coinvolgente per sperimentare possibilità immaginifiche del mezzo analogico, in particolare della pellicola diapositiva, indirizzata a visualizzare flussi di energia in libertà.
Corpi e figure ispirate al cinema futurista della fine del Diciannovesimo secolo, quando il dinamismo diventa il nuovo canone espressivo delle arti visive e si indirizza verso la sperimentazione astratta e concreta all’unisono. Rapidità, sorpresa, luminosità, mobilità, gestualità ripetuta in successione ritmica: questi sono gli elementi dell’autore che nel divenire delle linee trova un presupposto di indagine del colore, codificando un dinamismo plastico, paradossalmente pronto a una trasposizione in versione 3D.
La sua rivisitazione analogica della cinepittura fotografica, crea impressioni istantanee di “stati d’animo” a cavallo tra la storia e la sperimentazione, citazione e intuizione, mirando al superamento della rappresentazione della realtà, in bilico tra visione e ossessione.
Cecchetti riparte dai segni–indici del cinetismo prodotto da Marey e da Mach, con intenti meno scientifici o dimostrativi ma più estetici come “linee di forza”, vettori sperimentali, incentrando la sua ricerca sulla visualizzazione della trasparenza, dell’evanescenza e dissolvenza per smaterializzare corpi, introducendo una “immagine latente” rivelata dai raggi di Rontgen, mentre dalla pittura futurista rielabora i codici del movimento sperimentati da Boccioni, Russolo, Balla e Carrà, vertendo sulla trascrizione di un energia vitalistica persuasiva, autonoma, come se l’immagine si autodeterminasse nella scia luminosa in maniera meccanica. La sua variante degli studi cronofotografici, evoca la ricerca stroboscopica introdotta da Harold E. Edgerton, basata sull’illuminazione a intermittenza, utilizzata per scomporre ulteriormente il movimento, in cui fissità e discontinuità dell’immagine coesistono in una mirabile sintesi.
Il fotodinamismo plastico luminescente di Cecchetti, materializza un’esplorazione metapercettiva, scombinando distorsioni e sovrapposizioni ottiche dell’immagine fotografica; come se volesse fotografare il suo pensiero intorno al divenire nello spazio e nel tempo con una sorta di danza, di sospensione di epifanie di luce senza gravità che fluttuano su sfondi monocromi in dissolvenza. Sono esseri danzanti ultraterreni, cinetici, di forte tensione plastica, allucinazioni di corpi smaterializzati come risultato della sua ricerca di cogliere il movimento tra uno scatto e l’altro, una sovrapposizione e un effetto cromatico, introducendo il gesto nel suo processo dinamico e la durata come flusso continuo dello spazio-tempo. Queste fotografie trasgrediscono il descrittivismo naturalistico, propongono una rielaborazione analogica dell’immagine come oggetto sperimentale, dall’intensità luminosa persuasiva. I suoi corpi-linea-flash abbacinanti traducono l’infrasensoriale trascinando lo spettatore in una danza-performance, come epifania latente dell’inconscio. Sorprende l’apporto dell’artista, capace di piegare complesse fasi di lavoro al suo volere, compreso il determinismo meccanico dell’obbiettivo.
La performance delle scie intorno a corpi-linee di forza, corrisponde a una tensione estetica, che si rinnova nello sguardo dell’osservatore, creando un cortocircuito visivo, quasi una scossa, iscritta nel presente. Cecchetti trasgredisce il realismo inerente all’immagine fotografica e introduce attitudini di manipolazione analogiche espressive possibili attraverso il colore. Si tratta di accelerazioni dinamiche, sovrapposizioni ritmiche, patchworck cronofotografico, che valorizzano una volontà di rigenerazione in chiave contemporanea della fotografia, passando non dal computer bensì dal gesto. Queste immagini sono concepite per essere viste sul grande schermo, da immaginare in un perpetuo movimento che rimandano agli esordi del cinema d’avanguardia e alla cinepittura astratta dei fratelli Arnaldo e Bruno Giannini-Corradini, meglio noti come Arnaldo Ginna e Bruno Corra (pseudomino futurista). Tramite elaborate sovraimpressioni che scompongono, frammentano e dilatano le figure, avvalendosi anche del collage, vertendo sulla simultaneità tra vicino e lontano, profondità e superficie, il ritmo prevale sulla tecnica.
Tutto resta in bilico tra ciò che si immagina e ciò che si vede, ponendosi in totale autonomia rispetto al futurismo. Queste fotografie trasudano energia, cogliendo nel segno la mutevolezza della nostra epoca tecnologica in cui identità, ambivalenza, visibile e invisibile sono variabili e si fondono in un’unica immagine dal sex appeal immateriale folgorante. Il gesto prende corpo e la scia lo smaterializza, mentre la fotografia diventa memoria del movimento. La sua trans-visione di una dimensione cinetica include passaggi di ricerca manuale, materiali quasi alchemici, necessari per le manipolazioni fotografiche, che modificano figure cinetiche e la percezione del movimento. I suoi “balletti sintetici“ integrano la fotografia con il dinamismo pittorico e traducono valori psichici e plastici all’unisono, in cui la particolarità consiste in un effetto sfuocato, mosso.
Per Cecchetti il colore è segno, oltre alla luce, come possibilità d’intervento sopra la fotografia, è attitudine di manipolazione e parte integrante dell’immagine. Le sue opere rappresentano una ibridazione immaginifica tra organico e inorganico, dalle molteplici contaminazioni tra identità visive e alterazioni percettive dello sguardo. Per l’autore fotografare non si tratta di vissuto, di memoria, di durata, bensì di sguardo sulla fotografia che non fotografa necessariamente qualcosa, ma visualizza lo sguardo stesso, basandosi sul principio dell’indeterminatezza. Sono corpi-flussi di energia, vettori dell’identità mutante, dell’indagine concettuale intorno alle potenzialità della fotografia analogica come esperienza percettiva, emozionale e non decorativa, in cui l’idea del dinamismo struttura lampi rigeneranti.
Jacqueline Ceresoli

Bernardo Cecchetti
Rivisitazione Futurista

Bernardo Cecchetti, nelle sedici opere di Rivisitazione Futurista, parte dalla tecnica ormai collaudata del collage con sovraimpressioni fotografiche per aggiungervi la spinta dinamica dei corpi, umani e animali. Questa è la prima importante caratteristica che allontana la serie di opere presenti in questa mostra da quelle che l’autore eseguirà in seguito − Fiori maledetti, Mare, Vegetazione −, dominate invece dagli elementi della natura, dalla forza primigenia che cattura e imprigiona con la sua potenza misterica. Qui è il movimento a guidare la scena, un movimento ludico alla ricerca della libera espressione artistica, che porta gioco forza lo spettatore nella dimensione dello spazio e del tempo, lontano dall’estasi statica degli altri lavori.
Libertà non è anarchia, ma continua e rigorosa indagine interiore per raggiungere l’equilibrio tra se stessi e il mondo, e dare infine e finalmente al mondo una nuova forma, figlia del flusso vitale di una nuova idea, conseguenza di un lungo e meditato scambio con differenti impostazioni etiche e poetiche. La spontaneità visiva che abbiamo di fronte è il risultato di una lunga e precisa operazione artigianale: l’artista non ha adottato le tecnologie digitali − e questo è già di per sé un fattore che allontana Rivisitazione futurista dai manifesti futuristi, una contraddizione pratica che si fa teorica, che dà ai quadri in mostra quel tocco di sublime romantico mirante ad agitare l’animo umano, e di ciò non possiamo che esserne grati all’autore −, ma si è affidato alle ormai anacronistiche diapositive, proiettate sovrapposte su uno schermo. Le immagini sono poi modificate a mano, con giochi di messa a fuoco e acetati colorati a rendere gli effetti voluti, e vengono quindi “immobilizzate” per sempre su plexiglas.
Il risultato è pura visione, senza nessuna cornice a impedire la spinta verso l’infinito dei soggetti in movimento. Né dipinto né fotografia né collage, o meglio sia dipinto (non si dipinge solo con il pennello) sia fotografia (si parte da lì, e lì si arriva) sia collage (non materico ma metafisico).
Bernardo Cecchetti si muove liberamente dentro un ventaglio di esperienze in cui si intrecciano le scoperte estetiche della forma e del colore, immerso nel flusso continuo e ininterrotto della storia dell’arte, disciplina che l’autore conosce in modo approfondito − diplomato all’Accademia di Belle Arti di Macerata, oggi insegna al Liceo Scientifico Leonardo da Vinci di Civitanova Marche.
Le sedici opere, viste una dopo l’altra, trasmettono un senso di appagamento e di completezza che va al di là del valore del singolo quadro, e mai come in questo caso il principio aristotelico di non additività, secondo cui la somma delle singole parti è inferiore al tutto, risponde a verità. Il fruitore della mostra ha la fortuna di avere una tale possibilità, e il consiglio è di sfruttarla appieno, per non perdere l’occasione di mettere in pratica − anche solo per una volta nella vita − il suggerimento del filosofo Friedrich Nietzsche: «Ci occorre tutta l’aria petulante, fluttuante, danzante, schernitrice, fanciullesca e beata per non perdere quella libertà sopra le cose che il nostro ideale esige da noi».
Marco Speroni

The series of photographs composing Bernardo Cecchetti’s “Futurism Revisited” is the result of an exclusively analog process, suspended between theoretical reinterpretation and gestural art. The study carried out by his project goes far beyond mere snapshots reaching perfect balance as a whole; it is art itself the feature making the exhibited images complete, innovative and impressive.
Bernardo Cecchetti reaches the heart of Art History and Photography through full consciousness. Just as he were exploring time itself, he keeps different images and experimentations which marked the evolution of the history of Western visual arts imprinted in his eyes, treasuring them in his memory. He portraits such diversified elements through rigid structures and deliberate playfulness, using contemporary language as a means of representation. Cecchetti’s reinterpretation leads the audience eyes through well-known images aiming at emotionally identifying figurative arts.
Colours and composition are the means of a process of retelling of some of the most interesting snapshots in the history of Photography, observed from new perspectives. The artworks reinterpreted include the enlightening studies by Eadweard Muybridge on the motion of both human and animal bodies; the intense study on physiological movements by French pioneer Étienne-Jules Marey (†1904) and by American artist Thomas Eakins (†1916) through chronophotography; the theories focusing on dance as form and gesture by Bauhaus school Director Oskar Schlemmer and, above all, Futurism-inspired studies on motion such as Giacomo Balla’s Dynamism of a Dog on a Leash.
Some of the artworks from “Futurism Rivisited” show photos of what were then considered “new machines”, including pictures by cinema and photography pioneers – men who reshaped the boundaries of technological progress and who could apparently make everything possible, including making humans capable of flying thanks to mechanics. It was not the first time humans challenged their earthly nature as well as physical laws in order to reach the infinite, but the innovative materials and technologies discovered between the 19th and 20th centuries gave Western dreamers and experimenters the chance – never experienced before and probably never to be again – to follow their ideas and try to make their dreams come true.
The intense artistic studies carried out by the artist and photographer, native of the Marches, are also aesthetic: his images, detached from inexpressive and affected Mannerism, come alive, animated by new energy stemming from overlapping snapshots and colours. They are surprising, drawing the audience attention and exciting its taste. His collages, his overlapping photos denote a process of image elaboration everything but classic, which at the same time is grounded on the mastering of the darkroom techniques and on the analog printing as a means of balancing the space of the photographic impression. This intellectual game produces images which give off a motion picture-like effect or images that sometimes seem to be frozen and suspended in time; it is a visual game as well, where chromography supports the whole composition with its colours, creating wake or halo-like effects reinforcing the force-lines dominating the artwork.
Just like the first experimenters’ creations, Bernardo Cecchetti’s artworks turn photography into a tool aiming at exploring motion itself, new expressive perspectives and the boundary between dream and reality.
Alessia Locatelli

Light movements
For a reinterpretation of Futurism

The interest contemporary artists keep showing towards the themes connected to Futurism shows how inextinguishable is the appeal the first Italian experimental artistic movement still holds, without taking into account its long celebrated historical relevance, thanks to its complex and innovative vision of dynamism and imagination.
As for Bernardo Cecchetti, his experimentation on photographic images aims at the dynamic interpenetration of shapes, synthetized thanks to analog photographic techniques through a process of elaboration and overlapping of sources deduced from Futurism iconography.
His “reinterpretation” is meant as a polymorphic journey through photodynamism and chronophotographic editing, which instills powerful feelings and shows sequential images, repeating lines, curvilinear outbursts, blurring and decentralized cuts.
Motion is the constant theme which each graphic and chromatic genesis revolves around, while fantasy is set free in order to show the immediate expressive ability to transfigure different ways of perceiving.
Cecchetti interacts with the experimental languages of Futurism, experiencing many different structural codes, choosing the overlapping of intersecting images, coloured masses emerging and floating over the surface and cosmic awesomeness as means of expression.
The photographer/artist does not simply make use of the mechanical applications of analog images – he hints, from time to time, at the pictorial rules of Futurism-influenced movements and relies on the slight ambiguities affecting things analyzed under different circumstances and from several points of view, recreating a vibrant atmosphere where each detail melts in an enveloping entirety.
The rhythm of motion drags bodies and objects into some sort of psychophysical dance that turns the shape structure into the unsteadiness of a representation which is broken into endless perceptive moments. Every visual element flows, runs, breaks, overlaps just to get lost, suspended between high and low, escaping the static dimension of what is visible to indulge in slippage and enlargement the eye cannot detect.
That is why Cecchetti’s reinterpretation of Futurism follows the unpredictable wakes of this artistic movement, portraying enlargement and halos exploring the emotional feature of space, aiming at the inner echo the mental tension creeping into the space to finally become visible hints at.
Claudio Cerritelli

How to look at Bernardo Cecchetti’s Futurism Revisited
By Elisabetta Longari

Collage in its multiple forms, modifications and evolutions is undoubtedly one of the most exploited techniques in contemporary art, whereas contemporary should not be intended just as a historical period, but most especially as everything the present is grounded on. Everything is still so influenced by the modern era that terms such as post-modernity or alter-modernity are used to define the present time.
The technique Bernardo Cecchetti used to create the series of artworks named Futurism Revisited stems from a very personal interpretation of collage, channeled through several different methods – invented by the author himself. They can be quite sophisticated and are based on photos overlapping as a prominent and constant feature of his work. The author relates to Photography showing a definitely experimental approach, although it is fundamental to stress that he never applies digital techniques.
At first glance, there seem to be force-fields recalling frames from Godard’s Histoire(s) du cinema; they look like complex texts seizing “shadows” stolen from Western visual art history and then expanded and grown through a process of agglutination and contamination. This process seems to be partially hinting at the way memory works, where everything gets conglomerated, contaminated, erased and eventually dissolved. Images are shaped and presented just like memories: they are similarly both thick and ghostly, giving off a residual feeling that is the result of the unstoppable process of creation and destruction.
The images composing the artwork dedicated to Futurism and aiming at reinterpreting this artistic movement might be defined as some sort of time x-ray. They are the result of slides printed on Perspex, meant to be shown as a diaporama – that is, as a complex artwork based on cross-fading images with synchronized-sound background music.
Reaching this point of the text, one is likely to think of Cecchetti’s artwork as a tribute to inconsistency and paleness; however, the main and solid role played by colours must be stressed. Black-and-white images are modified by colours in two opposite ways influencing their motion: they either come alive or freeze and they are either stuck or expanded through yellow, red and blue additions.
The final effect is quite peculiar: it is shocking to see the same primary colours Mondrian used to favor being part of such a spurious context that, rather than abide by the laws of universal harmony, actually portrays reality changing before our eyes. It portrays “death at work”.
The title Futurism Revisited is a manifest tribute to Mario Schifano as well, who was addicted to media images like no Italian artist before him; Schifano’s uniqueness is probably the reason why Cecchetti decided to honor him.
Among the artworks used as starting points for this series stand out Marey, Muybridge and Eakins’ chronophotographs and Anton Giulio Bragaglia’s works; however, it is unexpected how what bursts from the modified images is not the audacious optimism typical of the creations belonging to the first years of the century, but Francis Bacon’s spirit instead, conveyed through the irresistible attraction towards images ambiguity which causes the artist to reshape them after disfiguring them.
«The actual subject of the sequence the images belong to is motion itself; the inspiration was drawn from the message carried out by artistic and historical avant-gardes, which are more precisely: Filippo Tommaso Marinetti, Umberto Boccioni and Giacomo Balla’s Futurism, Anton Giulio Bragaglia’s photodynamism, scientists Marey and Muybridge’s chronophotography, German Bauhaus School’s dramatic arts and dance. Both human body and object dynamism is pointed out by the “cinematic” sequence of the images chronophotography is made up of. On the other hand, the motion is sometimes “frozen” in a specific moment or suggested by curved or oblique lines, by the difference between those lines and straight ones, by the perceptively still orthogonal grid made up of horizontal and vertical axes, by the breaking of bilateral symmetry static balance and by wake or halo effects. Everything is wrapped up in a playful and ironic atmosphere». These words, used by the author to describe on his website the artwork this article is focused on, sound a bit deceptive, since they seem to label the images presented as light and incorporeal, given their translucent nature. Although the images chromatic aspect – purposely uneven compared to those same images edges – might be judged as loud and pop, they feature dramatic aspects as well which, as it has been said before, are connected to a deforming process hinting at how impossible it is for anything to keep a clear shape.
Cecchetti, interviewed about the “masters” that inspired him, answered with a long list of names among which one can deduce the ones most connected to this artwork and who represent the key to its understanding. «Medardo Rosso’s undefined, impressionistic pattern; […] Man Ray’s Objects of my Affection, visual paradoxes, photographic experimentation, rayographs, and photos meant as independent creations rather than “reproductions”; […] Boccioni’s merging of background and figures, fragmented shapes, constantly changing points of view, pursue of force-lines and curvy lines describing motion itself; Balla’s Iridescent Compenetration and motion representation through overlapping images […]». Last but not least, Paolo Gioli – outstanding artist in the field of experimental artistic languages in Italy.
Therefore, Cecchetti turns to a very specific legacy, the one of the artists who showed what is hidden underneath everyday, visible things, since what really matters lies in the way you look at something rather than in the object itself, in how you observe rather than in what you observe, as one of the most significant lesson of Western culture taught us in the last century.
Elisabetta Longari

Bernardo Cecchetti’s “Futurism Revisited”

The most remarkable artwork by Cecchetti stands out for its very personal style conveyed through interesting aesthetics as well as themes. Using sociologist Marshall McLuhan famous remark stating that “the medium is the message” as a starting point, the artist relies on analog photography (slides), modified through a series of manual processes, by using several technological tools (such as collage and overlapping) as well as non-traditional frames such as Perspex, in order to produce bright and transparent effects unlikely to be created by the tools he chose. Thus, the author is able to feature in his artwork themes such as lightness, motion and poetic afflatus. Such themes are far deeper than the ones featured in Cecchetti’s past series – such as “Cursed Flowers”, “Sea”, “Futurism Revisited”, “Greenery”, “Experimentation” – none of which is rooted in imitative passiveness.
In particular, the idea of “lightness” – as the first of six values both modern human beings and writers should incorporate for the new millennium according to Italo Calvino’s “Six Memos for the Next Millennium” – stands out. According to the Italian writer, literature is a fundamental source of inspiration, and that is the case of Lucrezio’s “De Rerum Natura”, the “first great work of poetry in which knowledge of the world tends to dissolve the solidity of the world, leading to a perception of all that is infinitely minute, light and mobile”.
Throughout Cecchetti’s different series of artworks, motion is attuned with lightness, but it becomes fundamental in “Futurism Rivisited” – the artwork shown at the present exhibition – in which both human and animal bodies, cut out from his past creations, stand out. As an Art teacher, Bernardo Cecchetti knows quite well the masterpieces by the Italian masters belonging to the first Italian avant-garde of the 20th century, including its mentor’s, Filippo Tommaso Marinetti, who in 1909 wrote the famous Futurist Manifesto. He knows equally well the experimentations by scientists and painters who, in the years right before that date, studied movement through chronophotography – that is, the process of printing on a single image and on a single photographic plate all the positions of a moving body caught in just as many instants. Cecchetti, as an artist/photographer, seems to draw inspiration from said experimentations to create images which, far beyond mere science and mechanics, hint at what photodynamism and Futurist paintings were focused on.
English photographer Eadweard Muybridge photographed moving humans and animals from different points of view, using inter-synchronized devices; his experimentations were then carried further thanks to different devices by American painter Thomas Eakins (he recorded a man doing a double long jump) and French physiologist Etienne J. Marey. Marey invented the chronophotographic gun, thanks to which he could capture different frames of flying birds, galloping horses, and even of a man wearing a black tracksuit on whose legs and arms were stuck white strings which quickly moving on a black background, traced a virtual, abstract and dynamic image made up of broken lines overlapping and coming in succession.
Giacomo Balla’s “Girl running on a Balcony”, “Flight of the Swallows” and many other paintings – by other Futurist painters as well – stem from such experimentations focused on the subject spatial movement in time. Futurists, however, aimed at other goals as well: for instance, Anton Giulio Bragaglia used photodynamism to freeze movement in one single image, using superimposed moving figures and the first examples of fading and overlapping techniques (i.e. “Man playing the double bass”). Moreover, Umberto Boccioni used formal artistic elements to stress the subject dynamic tension compared to its surroundings (i.e. “States of Mind”). As Boccioni himself wrote: “Dynamism is the simultaneous action of the motion characteristic of an object (its absolute motion), mixed with the transformation which the object undergoes in relation to its mobile and immobile environment (its relative motion)”. Dynamism and simultaneity are the two main concepts conceived by the master of Futurism, who was fascinated by French philosopher Henri Bergson’s theories on “duration”, according to which time is not the juxtaposition of distinct parts/instants, but a continuous flow, “the continuous progress of the past which gnaws into the future and which swells as it advances. And as the past grows without ceasing, so also there is no limit to its preservation”. Duration therefore finds its dimension in memory and consciousness. It is “vital impetus” – that is, living and transforming creation. In short, Boccioni’s poetics reaches emotional features made up of both formal elements and chromatic and bright fancies.
The text purposefully dwelled upon the concept of motion as it was studied by scientists and artists between the end of the 19th and the beginning of the 20th century, since that is the theme Cecchetti’s experimentations are grounded on. His “reinterpretations” feed on the results of both chronophotography and photodynamism – that is, black-and-white recordings lit by bright colors and dynamically expanded all over bi-dimensional space thanks to image loop (reached through juxtaposition and overlapping techniques). Sometimes the images echo their inner motion thanks to the remarking of their space-temporal movement, while for some others, as the author said, “motion is suggested by curved or oblique lines, by the difference between those lines and straight ones, by the perceptively still orthogonal grid made up of horizontal and vertical axes, by the breaking of bilateral symmetry static balance and by wake or halo effects”. On the other hand, the highly elaborate structure of his artwork seems to be hinting at the artist/photographer intention of playfully reinterpreting the complex dimension of time and memory Boccioni used to draw so much inspiration from.
Fabrizio Rovesti

Presentazione Fiori maledetti
Prefigurazioni cromatiche verso l’immateriale

Introducing Cursed Flowers
Chromatic prefiguration longing for what is intangible
By Jacqueline Ceresoli
In the latest creations by Bernardo Cecchetti there is no more room for photodynamic figurativism – this series of artworks shows colour explosions featuring a remarkable levity, adrift in a dilated dimension of both time and space which has been transposed into the waiting for more abstract chromatic hypotheses, recalling more Kandinsky than Futurism.
Through these artworks, the artist steps away from his old-fashioned academic creations inspired to photodynamism in order to indulge in a far more lyrical and vitalistic structure, which is oriented towards what is ever changing, floating, and uncontrollable just like breaking waves, aiming at emotion-based poetry.
Thus the author, breaking away from photodynamism, which excited his creativity for years, shows the audience a cultured plot, with chromatic impressions wrapping and unwrapping from time to time, and with feelings and colours meeting, creating vertigos. There is no repetition through the series of centripetal dynamism and milkish ways where every trace of colours includes something original and at the same time ancestral, unpredictable, against any example of static style, aiming at redoubling the audience points of view. Cecchetti explored the schematic/sequential portrayals of motion, drawing inspiration from Balla for his study of curved structures and pure colours, sorting out the issue through lyrical representations rather than simultaneous happenings, conveying a multifaceted view including both unique and polymorphous compositions. His first creations common patterns are motion and dynamism, while this time the speed of motion portrays a dilated dimension giving shape to an indefinable magma, hinting at the moment when everything we have felt, thought and wanted seems to resurface, mixing dreams and reality. It is a spiritual vision – as Kandinsky would say – showing how instincts and unpredicted actions defying rationality dissolve into the vital, free process of existing. Light, transparent and diaphanous tones, ectoplasmic halos surrounding blue shades, white-smoke colour expressive potentiality, sudden twists to red orange colour featuring an almost watercolour-like effect reaching beyond themselves – they are all part of the continuous struggle to objectify human feelings, which would otherwise be invisible.
If one observes his images quickly one right after the other he enters a non-space, or rather a state of mind, which is to be interpreted as the expression of several force fields whose vividness is clear and fascinating. Cecchetti ventures into primeval Chaos, getting delightfully lost into colour effects and creations recalling iridescent flower bouquets that, looking like they were painted on glass, are paradoxically compact holograms. According to photo-painter Cecchetti, there is an inner motion merging the memory and the intuition of a certain feeling into an image, looking like the formal transcript of the unresolved tension between inner instincts and objective facts from the outside world, or like the dialectic struggle between depth and surface. The audience should not indulge in a contemplative approach to the artwork colours; instead, it should observe his photos and get carried away by the elan vital, becoming all in one with his expressive colours, each one heading to a different direction through a different journey. The artist’s outlines are blurred, led by Cosmos’ unexpressed muffled rhythm, portrayed through force-lines stirring, explosions, dynamic spirals, uncontrollable fluxes enlarging all over the surface like drops of ink in the water, shaping the invisible. Is his enveloping chromatism a visual story describing the reason drifting away? Everything is “gassy”, representing the absolute cosmic tension hypnotizing the audience, being tied up by the touching and wavering depiction of the changes in time radiating from it.
Said simultaneous equivalence blows up in lyrical abstraction, in vibrant synesthetic photographs in which naturalistic features dissolve turning translucent in inconsistent flashes, or in mysterious Cosmic energy conveyed by images crumbling what is visible, reaching upwards to become simultaneous object-shapes in motion. The audience should get lost in his abrupt breaks, or in his inverted perspective dissolving into chromatic bursts re-interpreting Bergson’s theories, constantly changing among dynamic shapes longing for each other, carrying feelings and events, which are governed by the concept of “inner time”, stressing each moment uniqueness, rather than by “mechanical” time.
Cecchetti draws inspiration from Bergson’s concept of duration – which Futurism artists were focused on as well – according to which what is happening “here and now” subsumes what happened in the past or what will happen in the future.
His frames shape the wake of what happened in the past, depicting each moment as a lava flow escaping any attempt at defining it. Everything merges into what lays behind appearances, making the audience almost touch what cannot be defined, against a lyrical background where spirit and substance dance to the rhythm of life.
Jacqueline Ceresoli

Bernardo Cecchetti or Nostalgia for symbols

Futurism Revisited gives its audience the chance to think about the Western art turning point which occurred between the invention and the subsequent widespread use of photography – in the second half of the 19th century – and the success of European and mostly Italian avant-garde movements belonging to the beginning of the 20th century.
What makes this consideration possible is not only the conceptual, historical and artistic approach shown by the teacher – who is constantly struggling for up-to-date methods of teaching – but mostly his way of looking at things, his aptitude, his intuitive and quick approach, which immediately grasp every sort of connection, relation and mental rather than visual association thanks to which the audience discrimination is pinched by synesthetic effects bringing forth new perceptive as well as emotional reactions.
Apart from every sort of manneristic reference, this seems to be the very meaning of the several artworks Bernardo Cecchetti drew inspiration from; he is an artist native of the Marches who turned Photography into his typical means of expression, based on a personal reinterpretation of figures and artistic movements – such as Futurism – which relates to modernity with the growing and dramatic consciousness of the beginning of a new era marked by the predominant use of technical devices. Said devices, used by Scientists such as Marey and Muybridge in the field of Photography as a means of exploring the motion of bodies, supported figurative arts such as Postimpressionism, Symbolism, Cubism and Expressionism, which struggled to put the representation itself at the center of their study; these movements came right after the referential mise en abyme featured in the artworks of painters between 1840 and 1870 thanks to Nièpce and Daguerre’s invention and after the subsequent vigorous counter-offensive of first-generation impressionists, whose innovative energy started to slowly fade at the end of the century. Cecchetti’s artworks make the audience think about cinematography as well, since the first chronophotographic experiments – carried out using makeshift means – were soon to lead to brothers Lumière’s invention, which enabled to explore and diachronically record human body multiple kinetic features, freezing its multiple expressive potentialities beyond the spatial and synchronic description made by artists such as Boccioni, Balla, Severini and their many French, English or Russian imitators.
Regardless, as it is demonstrated by later Cecchetti’s artworks focusing on sea abyss creatures using the same techniques, the issue of motion has always been the center of his reflection, conveyed through several additions, biffures and manipulations that, though not yet expressing the side-irony visible in Futurism Revisited, hint at a far more complex, subtle and probably unwanted theoretical approach. By modifying photographs through linear elements, chromatic effects or miscellaneous overlapping dreamily or abstractly changing the originally unambiguous visual message, Cecchetti harks back to a dynamism “freezing” process similar to the one developed at the end of the 19th century, which conversely is totally theoretical and connected to nowadays issue regarding media hegemony and how it is worming in the way visual images are created as well as perceived. This is completely different from the naïve positivism leading the two above-cited chronophotographers, who, truly enthusiastic about the magnificent and progressive fate, studied the kinematics of their moving subjects led by empathetic curiosity, hope for the future and for the human ability to give fate a meaning. A few years later, at the beginning of the short century, the Great War carnage quickly got rid of those illusions, putting those same bodies at the center of uncontrollable forces stemming from a dominant, cold and dehumanizing technique.
Thus, from the fraying effects, the solarization and collage techniques which are analogically used by Bernardo Cecchetti in his collection of photos, suddenly coalesce theoretical consonances that have nothing to do with Marinetti’s war-oriented emphasis, nor with first Futurists’ experimental features, but that are rather connected to the huge artistic and literary apparatus – which was conceived at the end of the 19th century – whose name was that of Symbolism. Cecchetti’s artworks are therefore propelled by nostalgia for symbols, searching sea abysses as well as modern art icons (and Baudelaire-like Cursed Flowers) for obscure and incomprehensible fragments of a broader meaning that are to be studied using the tools given by a new form of humanism which is constantly fed and defended in the name of Arts through incessant dialectic struggle against contemporary communication archetypes.
There is not much room for irony, then, while there is plenty for commitment in the first Bernardo Cecchetti’s Neo-Futurism experimentations as well as in his later works, although the times of Puvis and Khnopff, of Moreau and Delville, and of Redon and Rops are gone, buried under web and digital devices cold homogenization.
Gianfranco Malafarina
Milano, 10 September 2014

Futurism revisited.
Photodynamism, memory, continuity and innovation

Photodynamism, simultaneity, motion and rhythm: that was the essence of photography conceived by Anton Giulio and Arturo Bragaglia, the futurist brothers’ duo that was nonetheless criticized by Umberto Boccioni as well as by several subscribers of the Manifesto of the Futurist Painters. Photodynamism sets photography free from the bounds of immobility, catching the process of becoming of each shape through lines constantly evolving in time and space. This new and innovative language, which is everything but realistic, sums up in a single image several portraits and moving subjects, sometimes overlapping them, and stresses the importance of a kind of plastic dynamism inspired to Heraclitus of Ephesus’ concept of “Panta rei”. Moreover, it paves the way to chronophotography experiments, a revolutionary study very similar to the one carried out by Boccioni and Balla as for painting.
Now that almost everything is web-oriented, digital photography is a self-referential artistic language, a medium opened to the ever evolving experimenting of the dynamic-synesthetic perception of reality. Bernardo Cecchetti stands out from the crowd, since he puts the computer aside, getting back to manual skills and gestural art and relying on complex print processes which make use of superimposed photographs, created by projecting several images and then photographing them all once again. As the author wrote: “The images, formerly slides, have been directly printed on acrylic glass (perspex): it means they are neither digital photos nor computer-modified ones. They stem from black-and-white photocopies representing Anton Giulio Bragaglia’s portrait of Boccioni; Marey, Muybridge and Eakins’ chronophotographs of Bauhaus School’s dramatic arts and dance printed on pieces of sheet and transparent acetates to which I injected colour using the collage technique and several mixed ones (such as pictorial techniques, ecoline, colored ink, crayons, decalcomania and so on).”
In his vibrating reinterpretation of photodynamism, Cecchetti bridges rather than break with the past by creating superimposed photographs that aim at exploring what might be expressed in multiple images portraying actions as alive as ever, leaving their static nature behind. He explores kinetics and protean force, stressing their importance as if he were drawing more inspiration from the movies than from Futurist paintings.
You have but to give a quick glance at those photos to detect an intangible bright wake that is to stick in the audience’s mind as a lightning breaking through a clear sky. It has a peculiar ectoplasmic effect beyond the simple imitation of reality.
The shapes Cecchetti portrays transcend themselves, and put in the foreground what is usually hidden, such as imaginary short circuits and feelings suspended between memories and awareness, reality and fiction. His lines are ever evolving, threadlike; they possess a captivating vital force which tests the creative features of analog means, focusing especially on slide films, and aiming at reproducing unbound energy flows.
In Cecchetti’s artwork stand out bodies and shapes which draw inspiration from the Italian Futurism movies produced at the end of the 19th century, when dynamism became the new aesthetic standard for visual arts, giving birth to both abstract and practical experimentations. Speed, surprise, brightness, motion, rhythmically repeated actions: this is what the author brings forth, exploring colours starting from ever changing lines and codifying a kind of plastic dynamism paradoxically apt to be rearranged in a 3D version.
Cecchetti’s analog reinterpretation of photographic cinepainting creates instantaneous impressions of several “states of mind”, suspended between history and experimentation, reference and intuition, aiming at surpassing the representation of reality, floating between vision and obsession.
Cecchetti gets back to Marey and Mach’s kinetic art signs and indexes, trying to reach aesthetic rather than scientific or demonstrative goals such as force-lines and experimental vectors. He places at the center of his study the portrayal of transparency, evanescence and fade in order to disembody each shape and insert “latent images” made visible by Roengten rays. At the same time, he reinterprets the Futuristic painting motion rules such as experimented by Boccioni, Russolo, Balla and Carrà, aiming at representing independent and persuasive vital forces, as if the image mechanically determined itself in its bright wake. His variation on chronophotography recalls the stroboscopic studies first carried out by Harold E. Edgerton, based on intermittent lighting to break each movement into several parts, in which images are both steady and disjointed, each feature wonderfully coexisting with its opposite.
Cecchetti’s plastic and bright photodynamism, by playing with optical distortions and overlapping effects affecting the images on photos, brings forth a kind of meta-perceptive exploration. It is like he were trying to visually freeze what he thinks about changes in space and time through some sort of a dance, where light epiphanies float without gravity on monochrome fading backgrounds. These dancing beings are otherworldly, kinetic, bearing a strong plastic tension, hallucinations of disjointed bodies as a result of his struggle to grab the motion between one snapshot and the other, between the overlapping of images and the use of chromatic effects, inserting actions in their dynamic process and duration as a continuous flow through space-time. Said photographs do not abide by the rules of naturalistic description, they rather introduce an analog reinterpretation of the image as an object of experimentation, emanating an intense and persuasive light. His blinding flash-line-bodies give shape to everything that is extrasensory, dragging the audience in the middle of a dance/performance that represents the latent epiphany of human unconscious. The artist’s contribution is stunning: he proves to be able to bend complex elaboration processes to his will, including the mechanical determinism typical of the lens.
The outcome of the wakes surrounding the bodies and their force-lines marks the aesthetic tension, perceived as renewed by the audience’s eyes, that creates a visual short circuit that is like a shock bringing the viewer back to the present. Cecchetti breaks the rules of photographic realism, introducing a certain leaning towards expressive analog alterations using the colours as one means of representation. Dynamic accelerations, rhythmical overlapping, chronophotographic patchworks: they all stress the need of renewing photography according to modern taste, making use of gestural art instead of computers. Said images, which are meant to be seen projected on a wide screen and to be thought in perpetual motion, recall the first examples of experimental cinema as well as the abstract cinepainting by brothers Arnaldo and Bruno Giannini-Corradini, also known as Arnaldo Ginna and Bruno Corra (their Futuristic nicknames). Through complex overlapping techniques disjointing, breaking and dilating each shape, and through collage techniques as well, everything revolves around the simultaneous presence of what is near and what is far, of depth and surface, and rhythm prevails over technicality. Everything is suspended between what you fancy and what you see, setting the artwork free from Futurism. Cecchetti’s photos are pure energy, unmistakably capturing the ever-changing feature of contemporary technological era where identity, ambiguity, visible and invisible are fickle, merging into a single image whose sex appeal is intangible and stunning. Actions become tangible only to be disembodied again, while photography becomes a memory recalling the motion. Cecchetti’s vision of a kinetic dimension beyond this world owes to his studies about manual work, and to the use of almost alchemic elements photo alteration would not be possible without, which eventually modify kinetic subjects and the perception of their motion. His “synthetic dances” put photography together with pictorial dynamism and transpose both psychic and plastic features whose peculiarity is a blurred effect.
Colours and lights are signs to Cecchetti: they are means of photographic alteration sewn into the very fabric of the image itself. His artworks are a creative hybrid between organic and inorganic, carrying inside several hints of fusion between visual identities and perceptive alterations of one’s look. To him Photography is not about one’s life, memories or duration – it is about not having to photograph something, it is about catching one’s act of gazing, invoking the principle of indefiniteness. His bodies are like energy flows, vectors of a changing identity and of the theoretical study about analog photography potentialities as a sensory and emotional experience that is everything but decorative and whose dynamism gives off reinvigorating flashes.
Jacqueline Ceresoli

Bernardo Cecchetti
Futurism Revisited

Bernardo Cecchetti, throughout the 16 artworks Futurism Revisited is made up of, keeps relying on the collage technique involving superimposed photographs – which he is particularly experienced in – while adding the dynamic thrust of both human and animal bodies. This is the main feature setting the artworks composing this exhibition aside from the ones the artist will create later – that is, Cursed Flowers, Sea, and Greenery – which, conversely, put the natural elements in the foreground, as well as the primeval force capturing and imprisoning through its mystic force. This time the whole scene revolves around motion itself: it is playful, longing for artistic free expression, and the audience cannot help but be led into the space and time dimension, far from the static delight typical of Cecchetti’s other artworks.
Freedom must not be intended as anarchy, but as the uninterrupted and meticulous exploration of oneself, aiming at reaching the balance between oneself and the world, in order to finally and eventually reshape the world itself, according to the vital force of a brand new idea conceived after long and thoughtfully exchanging different ethical and poetic views. The visual spontaneity the audience witnesses has been reached at the end of a long and accurate process of craftsmanship: the artist has not made use of digital techniques – which sets Futurism Revisited aside from Futurist manifestos, creating a practical contradiction that later becomes theoretical, giving the exhibited paintings a touch of sublime romanticism longing for stirring human souls the audience is thankful for; instead, the author relied on the out-of-date method of slides projected on screen while overlapping. The author has modified the images by hand, creating peculiar effects by bringing them into focus and using coloured acetate sheets; thus, the images are then frozen on Perspex for good.
The outcome is purely visual, with no frame preventing the moving subjects from longing for the infinite. This artwork is neither a painting, a photo nor a collage; it actually is partly a painting (since paintings are not drawn exclusively by brushes), partly a photograph (since that is the starting and the ending point of the work itself), and partly a collage (in a metaphysical rather than practical way).
Bernardo Cecchetti easily shows us several experiences, in which the aesthetic discoveries of shape and colour intertwine, immersed in the continuous and uninterrupted flow of Art History. The subject is well known to Cecchetti, who graduated from Macerata Academy of Fine Arts and currently works as a teacher at the Leonardo Da Vinci High School in Civitanova Marche.
The 16 artworks, if seen one right after the other, give the audience a feeling of fulfillment and completeness way beyond the single value of each painting. Artistotle’s non-addivity principle, according to which the sum of the values of individual assets is lesser than the value of the whole group of said assets, has never been truer. The chance given to the audience of the exhibition is great and it ought to be taken. Thus, people could put into practice what philosopher Friedrich Nietzsche once suggested: «We need all arrogant, soaring, dancing, mocking, childish and blessed Art, in order not to lose the free dominion over things which our ideal demands us».
Marco Speroni